EXPERIMENTA revient du 4 février au 7 mars 2027. Pour cette 13e édition, l’Hexagone s’associe à plus d’une trentaine de partenaires de l’aire grenobloise pour y déployer expositions, spectacles et performances. Toujours à la faveur de la rencontre entre Arts et Sciences, toujours consacré aux croisement entre questions sociétales et environnementales. EXPERIMENTA est l’occasion de rassembler plus d’une soixantaine de propositions artistiques de toutes provenances, de toutes disciplines, de toutes formes et durées. Cette édition encore, l’Hexagone renforce sa démarche d’ouverture au plus grand nombre avec de nombreuses propositions en accès libre et/ou destinées au public familial.

Les EXPOSITIONS. Véritable fil rouge d’EXPERIMENTA, elles seront inaugurées le 6 février et ouvertes tout au long de la biennale, en particulier pendant les 5 week-ends qu’elle couvrira. Cette année, vous pourrez découvrir une vingtaine d’oeuvres, en accès libre, présentées sur le site sommital de la Bastille, au Centre d’Art Bastille, ainsi qu’au Musée de Grenoble et au Muséum de Grenoble. Oeuvres dont la grande majorité est issue de collaborations entre l’Hexagone et ses partenaires scientifiques locaux (OSUG, CEA, CNRS, INRIA, etc.) et ses partenaires culturels nationaux et européens.

Les SPECTACLES. Pour cette édition, EXPERIMENTA mise sur la jeunesse et sur la circulation des artistes. En résulte la programmation de 8 spectacles pour 20 représentations. Vous pourrez bien sûr en découvrir sur le plateau de l’Hexagone, mais aussi à la Maison de la Musique de Meylan, à l’Ilyade / les Vagabondes (Seyssinet-Pariset), à l’Espace Paul Jargot (Crolles), à l’Espace 600 (Grenoble), à l’EST/UGA - (Saint-Martin d’Hères), au Théâtre Prémol / les Arts du récit (Grenoble) et au Grand Angle (Voiron).

PERFORMA : place à la Performance. Traversant les genres et disciplines - musique, danse, théâtre, arts visuels - la création performative foisonne de propositions. Par choix, nécessité ou faute de se conformer aux cadres classiques de la diffusion, elles se développent souvent en bordure, malgré la richesse des démarches qu’elles portent, des expériences qu’elles offrent au public. PERFORMA comptera 3 jours de programmation, une trentaine de performances pour une soixantaines de représentations. Rendez-vous les 5, 6 et 7 mars 2027, à la Belle Electrique, au TMG (Théâtre de Poche et Théâtre 145), au Magasin-CNAC, à la Source, à l’Ampérage, en complicité avec le Pacifique CDCN, le CCN Grenoble, l’Université Grenoble Alpes, le Ciel, l’ESAD GV).

Et, autour de toutes ces propositions artistiques, EXPERIMENTA comporte aussi des journées professionnelles, des ateliers et rencontres arts sciences, des visites et accueils de groupes.

Production &co compagnie. Coproduction Théâtre du Parc - Andrézieux-Bouthéon, Théâtre de Roanne.
Aide à la création Région AURA, Département de la Loire. Accueil & Soutien Théâtre de l’étoile du nord - Paris, Klap Maison pour danse - Marseille, Dancing_cie Beau Geste - Val-de-Reuil, L’Onde Théâtre - Vélizy-Villacoublay, Le Sel - Sèvres, La Briqueterie CDCN - Val-de-Marne, Centre des Arts, DCA / Philippe Découflé, AAC Soudos – Espaço Rural de Artes (Portugal), CCN - Roubaix, MAC - Créteil, CND, Espace Gérard Philippe - Pantin.

Née de l’imaginaire poétique et absurde de Sandra Geco, inspirée du tableau Les Amants de René Magritte et d’une campagne de Sea Shepherd, cette aventure art et science conçue en collaboration avec des spécialistes du plastique et des scientifiques, mêle danse, musique live, théâtre et vidéo. Habitée par la voix de Nelly Pons, elle invite le public à la réflexion à travers des « Et si… » : et si, ensemble, dans cet espace libre de penser, nous imaginions de nouveaux récits vers des futurs plus désirables, moins façonnés par le plastique ?

Née de l’imaginaire poétiquement absurde de Sandra Geco, Blind Dreamers est une fable visuelle inspirée du tableau Les Amants de René Magritte et d’une campagne de Sea Shepherd qui s’interroge sur l’(in)capacité de s’identifier au reste du vivant.
Dans une esthétique proche de la science-fiction, entre réalisme et surréalisme, des fragments plastifiés de mythes, d’œuvres et de scènes quotidiennes fusionnent et se mettent en mouvement pour révéler un univers à la fois intime, mystérieux et sensible, où le plastique s’invite dans nos habitudes et notre vie.
Cette aventure art et science conçue en collaboration avec des spécialistes du plastique et des scientifiques, mêle danse, musique live, théâtre et idéo. Habitée par la voix de Nelly Pons et ses textes écosophiques, elle invite le public au débat à travers des «Et si…» : et si, ensemble, dans cet espace libre de penser, nous imaginions de nouveaux récits vers des futurs plus désirables, moins façonnés par le plastique ?

Production Des Trous dans la Tête. Coproduction Châteauvallon-Liberté Scène nationale - Toulon, Hexagone Scène nationale - Meylan, Théâtre La passerelle Scène nationale de Gap et des Alpes du Sud, La Scène de recherche - Théâtre - Paris-Saclay - Gif-sur-Yvette, Théâtre de Vanves, La Grange – Centre/Arts et Sciences/UNIL - Lausanne, Suisse.
Soutien et accueil en résidence Théâtre Durance - Scène nationale - Château-Arnoux-Saint-Auban, Le ZEF - Scène nationale - Marseille, Vélo-Théâtre - Apt, Lieu multiple / Espace Mendès France - Poitiers, La Chartreuse Centre national des écritures du spectacle - Villeneuve-lez-Avignon, Réseau Traverses.
Accueil en résidence Théâtre de Châtillon ; Châteauvallon Scène nationale, Le Cube Studio-Théâtre d’Hérisson.
Soutien Institutionnel DRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur, Région Sud Provence-Alpes-Côte d’Azur, Département du Var, Métropole Toulon-Provence-Méditerranée, Ville de Toulon.
Projet lauréat de la Journée de repérage artistique 2025 de La Pop, en partenariat avec le Théâtre de Vanves, Danse Dense, et le théâtre Les Gémeaux – Scène nationale de Sceaux.

Un spectacle à la croisée de la fiction théâtrale, de la recherche scientifique et de l’exploration sensorielle. Ambre, bioacousticienne, détecte énormément d’ultrasons de chauve-souris sortant d’une grotte. Elle contacte le club de spéléologie du coin. Christophe encadre son expédition scientifique avec sa sœur.
 Mais en bas, nulle trace de vie.
 À l’intérieur de cette grotte étrange, un son extraordinaire les surprend et leur échelle se détache, les laissant bloqués sans moyen de communication. C’est le début d’un survival sonore.

Un spectacle à la croisée de la fiction théâtrale, de la recherche scientifique et de l’exploration sensorielle.

Ambre, bioacousticienne, détecte énormément d’ultrasons de chauve-souris sortant d’une grotte inconnue. Elle contacte le club de spéléologie du coin. Un certain Christophe lui répond et accepte d’encadrer son expédition scientifique. Il y convie sa sœur, Mélodie, avec qui il avait l’habitude d’explorer le monde souterrain lorsqu’ils étaient enfants. Mais en bas, nulle trace de chauve-souris.
À l’intérieur de cette grotte étrange, un son énorme, fascinant, multiple, inanalysable, les surprend. Et à ce moment précis leur échelle se détache, les laissant bloqués à l’intérieur de la grotte sans moyen de communication avec l’extérieur.
Quelle organisation pour cette survie souterraine ? Pour résister, chaque détail devient vital, et les idées diffèrent. Mais le phénomène se reproduit, et se montre de plus en plus menaçant.
C’est le début d’un survival sonore. En temps de catastrophe, partager ses denrées, c’est une chose. Partager ses fréquences sonores, c’en est une autre.

Production Viavox Production et Davide Ambrogio
Production artistique Davide Ambrogio, Walter Laureti
Production/diffusion Viavox Production

Davide Ambrogio, chanteur et multi-instrumentiste, puise dans les traditions et les rituels de sa Calabre natale pour poser en musique des questions cruciales sur le monde actuel. À travers des chants poignants et des percussions aux vibrations telluriques, cet artiste phare de la scène néofolk actuelle italienne offre avec Mater Nullius, un puissant mélange de musiques ancestrales et contemporaines adapté à la scène pour cinq musiciens au chant, percussions, guitares et traitements électroniques.

Artiste, chercheur et inventeur, Davide Ambrogio puise dans les traditions et les rituels de sa Calabre natale pour poser en musique des questions cruciales sur le monde actuel.

Après un premier album Evocazione e invocazione, remarqué et consacré par de nombreux concerts en France et en Europe et de belles distinctions, Davide Ambrogio présente à Paris son nouvel album Mater Nullius. Capable de transformer la musique du sud de l’Italie en sons innovants mêlant la voix, les instruments traditionnels et l’électronique, Davide Ambrogio a conquis et marqué public et professionnels à chacune de ses représentations. Artiste phare de la scène néofolk actuelle italienne, il offre avec Mater Nullius, un puissant mélange de musiques ancestrales et contemporaines adapté à la scène pour cinq musiciens au chant, percussions, guitares et traitements électroniques.

Production déléguée Fabrik Cassiopée. Une commande du CCN2 – Centre chorégraphique national de Grenoble.

Les montagnes, c’est comme le foot, il y en a partout. Elles sont toutes différentes, chacune a ses légendes, pourtant une sensation d’étrange parenté s’installe peu à peu dans le cœur de celui qui laisse ses pas le perdre sur les sentiers escarpés… Mais qu’en pensent les bergères pyrénéennes ? les demandeurs d’asile des Alpes ? et surtout, les marmottes ?

Les montagnes, c’est comme le foot, il y en a partout !
Car la montagne est une extraordinaire matière à penser. Dans la bouche de Gilles Deleuze c’est le pli, l’avalanche, la cascade… sous la main de Caspar David Friedrich c’est la mélancolie romantique face à la mer de nuages… dans les yeux d’Hokusai c’est la contemplation calme du Mont Fuji… Car du Machu Pichu au Kilimandjaro, les sommets c’est comme le foot, il y en a partout, et depuis bien longtemps. Ils sont tous très différents, chacun a son histoire géologique, sa légende animiste et son usage touristique. Et pourtant une sensation d’étrange parenté s’installe peu à peu dans le cœur de celui qui laisse ses pas le perdre sur tous les sentiers, à la manière du chemin coutumier Kanak, d’embuches en épreuves, de dévoilement en révélations… Du Vercors aux massifs Afghans, les résistants de tous les pays y brouillent ainsi les pistes en d’infinis recoins…. Alexandra David-Néel, pionnière de l’alpinisme tibétain du début du 20e siècle, méditait aussi bien à Lhassa qu’à Digne-les-Bains… et de la Kabylie de Pierre Bourdieu au Pays Toy de mes ancêtres, c’est bien perchées dans les hauteurs que quelques rares sociétés matrilinéaires y vivotent encore…
De cols en vallées, la montagne se révèle d’une fascinante modernité politique, sociologique et écologique. Et si cette présence immuable possédait les réponses aux questions les plus angoissantes de nos sociétés contemporaines ? Comment les écouter ?

Mais qu’en pensent les petits citadins et citadines grenoblois ?
Les bergères pyrénéennes ?
Les premières de cordées de l’Everest ?
Les demandeurs d’asile des Alpes ?
Et surtout, les marmottes ?

En vertu des nouvelles lois sécuritaires protégeant l’épanouissement des êtres humains face aux potentiels dangers divers, le Cirque Inextremiste déclare se dégager (durant la représentation du spectacle EXIT), de toute responsabilité en cas d’accident de quelque nature que ce soit ou de dommage sans aucune exception ni réserve, impliquant, vous, lecteurs attentifs, ou toutes autres personnes, animaux, véhicules et généralement tous objets et biens quelconques rencontrés dans le cadre du spectacle ou sur les installations empruntées. En tant que spectacteur, passant curieux ou programmateur averti, je déclare être conscient que ma présence sur le lieu du spectacle, entraîne des risques pour ma propre personne et tout autre être vivant présent autour de moi. Je déclare accepter ces risques en pleine connaissance de cause et ainsi renoncer à tout recours contre le Cirque Inextremiste et ce, nonobstant l’état du lieu de spectacle, des installations diverses, et des moyens de sécurité mis en place (ou pas). Le Cirque Inextremiste tient à préciser que l’ensemble du personnel de la compagnie est en cours d’acquisition des habilitations nécessaires à ses activités.

L’équipée fantastique du cirque Inextremiste et son aérostat de 3400 m³ immergent le public, corps et âmes, dans un univers scénographique insolite. Un groupe de doux dingues se retrouvent piégés malgré eux dans une épopée grandeur nature. Leur mission : se libérer de leurs camisoles et s’échapper à tout prix de ce monde régi par des règles strictes et implacables. EXIT propose une émancipation de l’esprit, une respiration artistique puissante, lumineuse et fédératrice. Le tout, à ciel ouvert et en cohabitation avec les étoiles.

L’équipée fantastique du Cirque Inextremiste et son aérostat de 3400 m³ immergent le public, corps et âmes, dans un univers scénographique insolite.

Dans EXIT, un groupe de doux dingues se retrouvent piégés malgré eux dans une épopée grandeur nature. Leur mission : se libérer de leurs camisoles et s’échapper à tout prix de ce monde régi par des règles strictes et implacables. L’espace de jeu, métamorphosé par l’envolée d’une montgolfière, est un théâtre à ciel ouvert où les cascades aériennes des artistes cohabitent avec les étoiles. Crescendo vers la liberté, EXIT propose une émancipation de l’esprit, une respiration artistique puissante, lumineuse et fédératrice, une démonstration de la porosité de la frontière entre l’art et la folie. Bienvenue dans cette nouvelle aventure !

Coproduction le TU-Nantes, le FAR - Nyon, la Grange - Lausanne.
Accueil en résidence Le Théâtre du Champ de Bataille - Angers, Bain Public - Saint-Nazaire, le TNG - Lyon, la Libre Usine - Nantes, le TU-Nantes, le FAR - Nyon, le Grütli - Genève, le Carreau du temple - Paris, le Point Ephémère - Paris, la Grange - Lausanne.

Un spectacle à la croisée du théâtre et du documentaire, en forme d’odyssée joyeuse et politique sur la puissance du collectif. Faire troupeau commence par une expérience narrative qui met le public dans la peau d’un groupe de moutons en transhumance. Au cours de leur périple, ils se font attaquer par des loups. Grâce à une organisation collective ils s’en sortent et célèbrent cela de manière douce et gaie. Marion Thomas nous invite avec humour à découvrir la solidarité et l’empathie qui peuvent se créer entre nous.

Un spectacle à la croisée du théâtre et du documentaire, en forme d’odyssée joyeuse et politique sur la puissance du collectif.

Faire troupeau invite le public à vivre une expérience en devenant un troupeau de moutons en transhumance. Attaqué par une meute de loups au cours de son périple, le cheptel survit grâce à son intelligence sociale et sa solidarité. Avec une bonne dose d’humour et des clins d’œil à la pop culture, Marion Thomas détourne l’image du mouton souvent mésestimé pour parler de coopération et de vivre-ensemble. Entre enquête scientifique, scénario catastrophe et récit personnel, Faire troupeau interroge notre capacité à nous rassembler et à nous protéger mutuellement en temps de crise. Une invitation joyeuse à penser l’empathie comme un moteur de résistance politique.

Production Cie Libertivore. Coproduction Ville de Mende, Théâtre de Mende et Musée du Gévaudan, Archaos – Pôle national cirque – Marseille, Théâtre Jean Lurçat Scène nationale – Aubusson, PNR de Millevaches, Le Citron Jaune CNAREP – Port-Saint-Louis-du-Rhône, La Verrerie Pôle national cirque Occitanie, Le Plongeoir Pôle national Cirque Le Mans, L’Hexagone Scène nationale – Meylan, Le Plus Petit cirque du Monde – Bagneux, La Transverse, Scène Ouverte aux Arts Publics – Corbigny. Soutien Libertivore est conventionnée par la DRAC PACA. Aide à l’exploitation de la Région SUD. Aide au fonctionnement du Conseil départemental des Bouches-du-Rhône et de la ville de Marseille, dispositif d’aide à l’insertion professionnelle Jeune cirque national.
Fanny Soriano est artiste associée au Théâtre Jean Lurçat, Scène nationale – Aubusson.

Faune, interprété par trois circassiennes danseuses, nous questionne sur notre rapport au sauvage, au monde contemporain et ses nécessaires métamorphoses. Entre leurs mains, les bois de cerfs se transforment en agrès de cirque uniques, offrant un terrain de jeu acrobatique et chorégraphique riche et audacieux.

Faune, interprété par trois femmes, nous questionne sur notre rapport au sauvage, au monde contemporain et ses nécessaires métamorphoses.

La scénographie épurée se construit autour d’objets centraux : des bois de cerf qui tombent chaque année comme un bois sec pour repousser au printemps. Porteurs d’une forêt de symboles, ils deviennent l’axe principal de cette création.
Comment cet animal, témoin de notre humanité archaïque, peut-il nous aider à créer les mythes d’aujourd’hui et de demain ? La mue du cerf […] nous redonne la preuve visible que tout meurt et renaît, que tout reprend vie.
Dans Faune, une harde de femmes se laisse traverser par cette figure du vivant pour parler des transformations que vivent leurs corps et les identités collectives.
Entre leurs mains, les bois de cerfs se transforment en agrès de cirque uniques, offrant un terrain de jeu acrobatique et chorégraphique riche et audacieux.
Faune, portée par une musique originale, est une invitation au renouveau, un élan pour repenser notre lien au monde.

Administration et production Le Grand ManiTou. Coproduction Le Ciel, Scène européenne pour l’enfance et la jeunesse - Lyon, Espace 600, Scène d’intérêt national art, enfance, jeunesse - Grenoble, TMG ­ Grenoble, Théâtre des Collines - Annecy, Théâtre Le Vellein, ­Scènes de la CAPI - Villefontaine, Le Train Théâtre, Scène conventionnée d’intérêt national art et création - Valence, Le Diapason - Saint Marcellin, Le Grand Angle, scène régionale - Voiron, Saint-Martin d’Hères en scène -­ L’heure bleue -­ ECRP Scène régionale AURA.
Soutien Théâtre de Privas, Scène conventionnée art en territoire, scène régionale, La Rampe - La Ponatière - Echirolles, la Bobine - Grenoble, Université Grenoble Alpes ­L’EST, L’Odyssée - Eybens, TCJC /Théâtre Cinéma Jean Carmet ­- Mornant, La Mouche - Saint-­Genis-­Laval, Groupe des 20 Auvergne Rhône-Alpes, Département de l’Isère, Ville de Grenoble, DRAC AURA, Région AURA.

Fondre mêle théâtre de papier, manipulation visible et musique jouée en live.
C’est l’histoire d’un exil au temps du dérèglement climatique, celle de la dérive des humains, du monde. Dans ce texte à l’humour tendre et mordant, s’élèvent des voix naïves et des figures réduites à l’essentiel, évoquant des personnages de Beckett qui dérivent sur un bout de banquise cherchant à rejoindre la terre.

Fondre de Guillaume Poix, c’est l’histoire d’un exil au temps du dérèglement climatique, celle de la dérive des humains, du monde.
Ce texte à l’humour tendre et mordant laisse s’élever des voix naïves et des figures réduites au minimum, évoquant des personnages de Beckett qui ont un objectif : rejoindre le territoire. Mais alors que les embarcations fondent et que les voix s’éteignent, ils doivent accepter leur destin.
Fondre est un texte percutant qui laisse entendre l’inquiétude profonde, qui fait les cauchemars de nos nuits, mais que l’on arrive à mettre de côté en plein jour. Il dessine avec presque rien et sans en avoir l’air, le rapport que nous entretenons avec la peur qu’instillent les questions de la migration et du réchauffement climatique.

Histoires dans la poche est un spectacle multiforme, entre récit numérique et réalité. Une écriture confiée à la jeunesse d’aujourd’hui lors d’ateliers, dont l’histoire parlera de ces jeunes, de leurs joies et colères. Entre conversations SMS dans votre poche et rendez-vous dans votre quartier, laissez-vous entraîner dans une histoire d’aujourd’hui.

On a tous des histoires plein la poche. Nos conversations, nos SMS, nos réseaux sociaux, racontent aujourd’hui nos tranches de vie, nos colères, nos doutes, nos joies.

Le projet Histoires dans la poche propose à la jeunesse d’aujourd’hui, de nous raconter avec ses outils une histoire qui parle d’elle. Une histoire que ces jeunes auront écrit. qui débutera dans votre poche, comme une conversation SMS. Une histoire qui se nouera par secousses, sous vos yeux au fil des jours, en temps réel, imprévisible. Une fiction intime, électrique, des personnages qui s’imposent, des liens qui se tendent. Mais ici quelque chose s’échauffe, insiste, s’accroche.
Puis arrive le moment ou l’histoire devient trop grande pour un si petit écran. L’histoire sort de la poche et prend corps, surgit dans la rue. Des voix prennent le relais, la vie remplace les pixels. Ce que l’on lisait seul dans son coin devient une aventure collective. Ce qui était caché devient visible. La fiction change d’échelle, de matière, de température.
Histoires dans la poche est un spectacle multiforme, entre récit numérique et réalité. Un théâtre qui commence sur un écran, traverse le quotidien et finit par s’emparer de la ville. Une histoire qui ne vous demande pas de venir à elle. Elle commence par vous suivre. Puis elle vous rattrape. Et enfin, elle vous donne rendez-vous.

Deux manières de rejoindre l’aventure :

• En spectateur : vous n’aurez qu’à envoyer votre numéro de portable. Il ne sera évidemment pas utilisé à des fins commerciales ou promotionnelles et servira uniquement le temps du spectacle. Le spectacle se déroulera sur votre téléphone durant plusieurs jours, et se terminera lors d’un rendez-vous collectif fixe qui vous sera donné dans les conversations SMS du spectacle.
• Participez à la création ! À l’écriture, au jeu, à la technique… rejoignez les équipes !

Contactez le service des relations avec le public pour plus d’informations.

Production MAGE. Coproduction CNCM Césaré, Théâtre de Vanves, Chateau Éphémère - Carrières-sous-Poissy, Le Périscope.
Accueil en résidence RAMDAM, un centre d’art, Grame CNCM. Soutien Maison de la musique contemporaine, DRAC et Région AURA, SACEM, SPEDIDAM.

Hypertemps nous invite à lever le pied et à tendre l’oreille. Ce projet d’installation et de performance sonore sur la notion de temps, de rythme et de cycle est un encouragement à sortir de l’hyper-sollicitation de nos sociétés. Le public prend place sur scène au sein de cette création sonore hybride portée par trois percussionnistes, qui déploie un étonnant dispositif de douze tubes sonores, véritable machine à fabriquer du temps autrement. Matières vibrantes, rythmes étirés, gestes précis, tout concourt à une dramaturgie du ralentissement.

Hypertemps est un projet d’installation et de performance sonore sur la notion de temps, de rythme et de cycle. Hypertemps nous invite à lever le pied… et à tendre l’oreille.

Hypertemps est une invitation à sortir de l’hyper-sollicitation de nos sociétés pour s’installer dans un temps spontané et qualitatif, renforçant le lien à celles et ceux qui nous entourent. Il s’appuie sur la théorisation de la chonosophie, et sur trois des cinq régimes de temps : L’hypertemps - le temps frénétique, numérisé de nos sociétés contemporaines, le destin - le temps naturel, celui des saisons, de la rotation des astres au sein du système solaire, et l’occasion - un temps hors du temps, qui comprend les autres régimes et s’interroge sur leurs interactions. Le public prend place au sein de ce dispositif. Au centre de la scénophonie, trois percussionnistes et un dispositif d’haut-parleurs jouent des flux rythmiques qui s’entrecroisent créant une sorte de transe hypnotique, tandis que le public est entouré d’un dispositif fait de cloches créant des résonances qui agrandissent l’espace de perception.

Coproduction La Laverie, La Petite Pierre. Aide à la production Beaumarchais SACD, Interstices et Arto. Soutien DRAC Auvergne-Rhône-Alpes et bourse d’écriture Beaumarchais SACD Espace public 2021. Et avec la complicité de la compagnie Décor Sonore, du Pays d’art et d’histoire Mende, Lot en Gévaudan et de Saint-Étienne Ville d’art et d’histoire. Accueil en résidence RudeBoy Crew, La Gare à Coulisses, Animakt, La Fabrique Jaspir, Graines de rue.

Ça part tout petit. Ce sont les rues de d’habitude : les murs en crépi, les cannettes au sol, la fenêtre de chez Nicole… C’est le trajet quotidien, celui qu’on connaît par cœur. Mais le connaît-on vraiment ? Parce qu’il semblerait qu’Eric ait encore des choses à découvrir… Il semblerait qu’il y ait des questions à soulever. Et que les histoires de ces rues soient aussi les nôtres. De l’exploration du Clos des Capucins à celle de la vie, un voyage invitant à regarder le monde d’un nouvel œil.

De l’exploration du Clos des Capucins à celle de la vie, un voyage invitant à regarder le monde d’un nouvel œil.

Ça part tout petit, comme ça, mine de rien. C’est les rues de d’habitude : les murs en crépi, les quelques cannettes au sol, la fenêtre de chez Nicole… C’est le trajet quotidien, celui qu’on connaît par cœur, vous voyez ?
Mais est-ce qu’on le connaît vraiment ?
Parce qu’il semblerait qu’Eric ait encore des choses à découvrir… Il semblerait qu’il y ait des liens à tisser, des questions à soulever. Et que les histoires de ces rues, grandes et petites, soient aussi les nôtres.

Ce spectacle s’inscrit dans le cadre des Journées européennes du patrimoine
Au programme : visites guidées, exposition « Un joyau se réinvente» par les Archives de Meylan, sur l’histoire du Clos des Capucins, installation sonore Losonnante proposées par la Ville de Meylan, spectacle déambulatoire en extérieur Je suis invisible - Cie Quasar/Quasar (sur réservation) et Lancement de l’Almanach du Clos des Capucins proposés par l’Hexagone Scène nationale.

TÉLÉCHARGER LE PROGRAMME DES 3 JOURS

Production Collectif Mind The Gap. J’étais parti·e, pardon (dans un autre univers) est le fruit d’une commande de sept théâtres partenaires du Département de la Seine-Saint-Denis, Théâtre des Bergeries - Noisy-le-Sec, Théâtre et Cinéma Georges Simenon - Rosny- sous-Bois, Théâtre et Cinéma Jacques Prévert - Aulnay-sous-Bois, Espace 1789 - Saint-Ouen, Théâtre au Fil de l’Eau - Pantin, Houdremont Centre culturel - La Courneuve, Maison du Théâtre et de la Danse - Épinay-sur-Seine, dans le cadre du dispositif Écritures et créations théâtrales jeunesse.
Avec la participation artistique du Jeune théâtre national (JTN). Aide au projet Ville d’Orléans et ARTCENA dans le cadre de l’aide nationale à la création de textes dramatiques, Session Automne, Littérature dramatique (2024).
Le Collectif Mind The Gap est accompagné par le réseau Puissance Quatre - réseau interrégional pour la jeune création théâtrale - La Loge - Paris, TU - Nantes, Théâtre Olympique - Centre dramatique national de Tours, Théâtre Sorano - Toulouse, Théâtre Joliette - Marseille, Les Célestins Théâtre de Lyon, Le Quai CDN - Angers Pays de La Loire, La Maison des Métallos - Paris et le Théâtre 13 - Paris.
Le collectif Mind The Gap est conventionné par le ministère de la Culture – DRAC Centre-Val de Loire.

Comment pourrait-on changer de monde ? Comment pourrait-on changer le monde ? Alors qu’elle participait à la création d’une pièce de théâtre, une classe de CM2 a disparu de la surface de la terre. On est en droit de se demander si cette disparition n’a pas un lien avec le thème du spectacle, à savoir : des voyages vers des univers parallèles. Sur scène les interprètes se confondent avec leurs personnages, la frontière entre le vrai et le faux se brouille… Une comédie qui mêle enquête, poésie pop, vertige et science-fiction.

Comment pourrait-on changer de monde ? Comment pourrait-on changer le monde ? Une comédie qui mêle enquête, poésie pop, vertige et science-fiction.

J’étais parti·e, pardon (dans un autre univers), ça parle d’univers parallèles et ça raconte l’histoire d’un collectif de théâtre qui ressemble étrangement au collectif Mind the Gap, qui vient faire une résidence dans une classe de CM2 afin de créer un spectacle sur les univers parallèles. Sauf que, rien ne se passera comme prévu. Dans l’histoire, on croise les élèves de l’école, leur instit’ Jin, Madame Civier-Béchue (la directrice), la figure super-héroïque Vyper-Human, des télécommandes inter-universelles, une mystérieuse entreprise. Et puis il y a Gab (ou Gaby), un enfant de neuf ans, persuadé de ne pas être dans le bon univers et qui, peu à peu, devient le personnage principal du spectacle. Gab (ou Gaby) se demande avec nous comment retrouver son univers de base. À travers son histoire, c’est peut-être l’occasion de déplier le sentiment de malaise que l’on ressent quand on ne se sent pas à sa place, cette envie d’être ailleurs quand on ne sait pas où aller, et surtout de se demander quoi faire de ça.

Après Point de bascule, Barthélémy Champenois, chercheur-cycliste en métascience, continue son épopée et nous alerte sur l’urgence à se mettre en mouvement face aux enjeux climatiques et environnementaux. Dans Zone critique, la compagnie nous fait partager ces urgences sur L’AIR, L’EAU, LES SOLS et LE VIVANT… Retrouvez ces Zones critiques une fois par mois de janvier à juillet et laissez-vous happer par les mots et les maux de Barthélémy qu’il nous partage avec facétie, sérieux et poésie !

Des scientifiques du CNRS et de l’UGA ont contribué à l’écriture des 4 spectacles. En partenariat avec Atmo et Ageden.

Retrouvez Point de bascule, Mer. 16 et Jeu. 17 déc. à 20h au TMG - Théâtre de Poche à Grenoble.

Production Ornithology Production. Soutien Villa Albertine, Fondation Royaumont, CIMN-Détours de Babel. Partenaires Maqam Studio (New York) Coproduction Fondazione Triennale / Festival FOG (Milan).

Lorenzo Bianchi Hoesch et ses musiciens signent une création à la croisée des musiques du Moyen-Orient, de l’électronique et du jazz. Autour du maqâm — mode oriental traditionnel propice à l’improvisation, à la poésie et la méditation — violon, oud, voix et électronique dialoguent et immergent les spectateurs dans un espace sonore qui transcende les styles et les époques. La création lumière, pensée comme une installation, enrichit cette expérience sensorielle, amplifiée par un dispositif sonore qui enveloppe le public.

Lorenzo Bianchi Hoesch signe avec Immersive Maqâm, aux côtés de Mona Miari, Eylem Basaldi et Zafer Tawil, une création à la croisée des musiques modales du Moyen-Orient et de l’électronique en temps réel. Autour du maqâm — système musical fondé sur des modes mélodiques complexes et propice à l’improvisation — les interprètes déploient une écoute partagée, où les timbres dialoguent et se transforment dans un espace sonore enveloppant.
Pensé comme un flux musical ininterrompu, le projet déploie un espace d’écoute où les timbres se répondent, se transforment et se fondent sans jamais perdre leur singularité. La voix, les instruments traditionnels et l’électronique dialoguent dans une écriture à la fois ouverte et exigeante, nourrie par l’improvisation.La création lumière, conçue comme une installation, accompagne cette expérience sensorielle, prolongée par un dispositif sonore en surround qui enveloppe le public. L’immobilité et la pénombre invitent à une écoute profonde, presque méditative, où le temps semble suspendu. Sans chercher à illustrer un récit, Immersive Maqâm propose un espace sensible, où les cultures et les langages musicaux se rencontrent dans une relation d’écoute, d’équilibre et de transformation.

Production Compagnie Passage d’animaux sauvages. Coproduction Culture Commune - Fabrique Théâtrale Scène nationale du Bassin minier du Pas-de-Calais, Théâtre Public - Montreuil, Centre dramatique national, Les Célestins - Théâtre de Lyon, La Rose des Vents, Scène nationale - Villeneuve d’Ascq, Théâtre Sénart - Scène nationale – EPCC, Veilleur de Nuit Production, L’École parallèle imaginaire (EPI).
Soutien Direction régionale des affaires culturelles des Hauts-de-France, Région Île-de-France, Région Hauts-de-France. Résidences équipements culturels de la Ville de Lille, le CENTQUATRE-PARIS, Collectif FAIR-E / CCN de Rennes et de Bretagne.

Dans cette fausse conférence qui dérape, Rémi Fortin tente d’explorer cette émotion parfois mal-aimée : la peur. Sur scène, un conférencier du « conservatoire des émotions » propose une série d’expérimentations sur le sentiment de peur. Il tente de comprendre ses sources, ses origines, et pour cela incarne diverses situations terrifiantes. Il essaie d’effrayer son auditoire à travers les stratagèmes transmis. Dans une époque que nous sommes nombreuses et nombreux à trouver effrayante, apprivoisons nos peurs “pour ne pas mourir de trouille !”

Dans cette fausse conférence qui dérape, Rémi Fortin tente d’explorer cette émotion parfois mal-aimée : la peur.  Dans une époque que nous sommes nombreuses et nombreux à trouver effrayante, apprivoisons nos peurs “pour ne pas mourir de trouille” !

Dans un futur indéterminé, on a constaté que certaines personnes meurent de peur. Cette épidémie a d’abord été observée chez des lapins, mais elle s’est transmise à de grands mammifères, avant de se transmettre aux humains. Peut-être s’agit-il d’un phénomène de zoonose. En milieu artificiel, la peur a quasiment disparu de nos sociétés mais en milieu naturel, elle rôde toujours. Un conférencier du « Conservatoire des émotions » se lance dans une série d’expérimentations sur le sentiment de peur. Il essaie d’effrayer son auditoire à travers les stratagèmes qui lui ont été transmis. Entre deux expériences, il tente de comprendre cette émotion, les conditions de son apparition et de sa transmission de générations en générations. Au cours de digressions inattendues il en vient à se demander ce que les humains ont perdu en tentant d’éradiquer cette émotion, et s’il ne serait pas souhaitable qu’il ressurgisse un jour…

Coproduction Hexagone Scène nationale - Meylan et le Centre des arts du récit - Grenoble,
Soutien Ville de Besançon et MA Scène nationale pays de Montbéliard.

Non, les contes ne sont pas que pour les enfants ! Cette épopée contemporaine raconte à deux voix comment remédier à cette idée reçue. Des effets spéciaux et un casting mémorable pour raconter des histoires qui sentent bon la fin du monde : l’ultime quête du dernier des capitalistes, l’origine de la méchanceté, la plus belle fête du village, et une galère de retour de “teuf”. Il y sera question d’injustice, de domination, de violence et d’émancipation… bref, de rapports de pouvoir.

Non, les contes ne sont pas que pour les enfants ! On vous propose un ballet d’histoires racontées à deux voix pour remédier à cette idée reçue. Venez vous prendre une marée d’effets spéciaux et un casting de malade dans des histoires qui sentent bon la fin du monde.
On va vous raconter l’ultime quête du dernier des capitaliste, l’origine de la méchanceté, la plus belle fête du village, et une galère de retour de “teuf”. On sait que ça en à l’air, mais ça va pas être que marrant.
La Prophétie des fées est un travail sur la parole. Nous racontons à deux voix, sans autres artifices. Ni costume, ni décor. Tout se passe dans la tête des spectateurs, les bruitages, les cascades, les effets spéciaux, et les cadrages.
Il y est question d’injustice, de domination, de violence et d’émancipation… bref, de rapports de pouvoir.

Clin d’œil involontaire au travail de Julie Nioche et Mélissa Von Vépy, dans la séquence « le poids du corps ».
Production L’immédiat. Coproduction Le Canal, Théâtre du Pays de Redon, Scène conventionnée d’intérêt national, art et création pour le théâtre, L’Odyssée, Scène conventionnée - Périgueux, Théâtre Victor Hugo, Scène des arts du gestes - Bagneux, EPT Vallée Sud Grand Paris, Bonlieu Scène nationale - Annecy, Théâtre de l’Arsenal - Val-de-Reuil, Scène conventionnée d’intérêt national “art et création pour la danse”, Théâtre des 13 vents, CDN de Montpellier, Les Aires, théâtre de Die et du Diois, Scène conventionnée d’intérêt national Art en Territoire.
Soutien en résidence La Martofacture, Le Moulin d’Andé, Centre artistique et culturel, Cube- Studio Théâtre de Hérisson.
Aide à la création Spectacle vivant de la Région ÎLe-de-France.
L’immédiat est en convention avec le ministère de la Culture – DRAC Île-de-France et reçoit le soutien de la Région Île-de-France au titre de l’aide à la permanence artistique.

Entre cirque et illusion, Camille Boitel se joue ici de la pesanteur avec une légèreté toute poétique. Il nous surprend, nous fait rire, et nous embarque dans son univers aussi saugrenu que jubilatoire nous faisant oublier les lois de la physique pour nous plonger dans un univers unique. La logique se déforme et la pesanteur s’efface. Des objets colossaux voltigent ou flottent dans les airs, les repères se brouillent et tout finit sens dessus-dessous. « Nous finirons tous écrabouillés, nous le savons, et cette lutte est désespérée. »

Entre cirque et illusion, Camille Boitel se joue ici de la pesanteur avec une légèreté toute poétique.
Il nous surprend, nous fait rire, et nous embarque dans son univers aussi saugrenu que jubilatoire nous faisant oublier les lois de la physique pour nous plonger dans un univers unique. La logique se déforme et la pesanteur s’efface. Des objets colossaux voltigent ou flottent dans les airs, les repères se brouillent et tout finit sens dessus-dessous. « Nous finirons tous écrabouillés, nous le savons, et cette lutte est désespérée. »

« Nous tombons par terre en permanence, nous sommes lourds, pesants, écrasés, attachés au sol malgré nous ; cela nous rend si sûrs du poids.
Ce poids qui nous encre, nous installe en nous-même.
Et quand nous nous penchons au-dessus du vide, nous sentons le vertige à l’intérieur de notre ventre, vertige de perdre le sol qui appuie sur la plante de nos pieds.
Mais lorsque le sol n’appuie plus, quand le sol ne nous aime plus, nous tombons à l’envers. Le poids nous le portons au quotidien et sans cesse, mais lui nous tient au sol, le poids nous écrase, nous aplati, nous immobilise peu à peu. Nous finirons tous écrabouillés, nous le savons, et cette lutte est désespérée. Dans cette guerre intime avec le poids, nous avons tous mené une infinité de batailles perdues…».

Camille Boitel

Production Machine molle. Coproduction Théâtre Olympia - CDN de Tours, Maison de la Culture de Bourges et Théâtre de Vanves.
Soutien lieux Le théâtre de la Tête Noire - Saran, La salle Thélème - Tours, Le Vodanum - Rochecorbon, La Grange Théâtre de Vaugarni - Pont-de-Ruan, le Club de la Chesnaie - Chailles, La Péniche Pop - Paris. Soutien DRAC Centre-Val de Loire et la Région Centre-Val de Loire.

Un spectacle immersif mêlant installation sonore, théâtre d’image, performance et musique électronique. Depuis la salle, le public est invité à communiquer avec l’au-delà grâce à des téléphones reliés à une imposante centrale d’appel manipulée, depuis la scène, par une téléopératrice. Ce spectacle engage une réflexion autour des liens que nous tissons avec la/les morts et essaye de nous réconcilier avec elle/eux. Une fiction poétique et joyeuse qui déterre les secrets des disparus pour tenter de réparer les vivants.

Un spectacle immersif mêlant installation sonore, théâtre d’image, performance et musique électronique. Le Telharmonium est une fiction poétique et joyeuse qui déterre les secrets des disparus pour tenter de réparer les vivants.

Au septième sous sol de l’entreprise Telharmonium, une standardiste de nuit met en lien les vivants avec leurs morts. Ces derniers communiquent en sons et en musique. Une fois le travail de la standardiste accompli, la jeune femme tente de retrouver la trace de ses aïeules au cœur de la grande centrale d’appel du service de nuit. Au fil de ses recherches et des symboles qui apparaissent dans ses rêves, la standardiste finit par s’entretenir avec l’entité de son arrière-grand-mère qui se cachait depuis longtemps dans les recoins secrets de la centrale… À plusieurs générations d’écart, les deux femmes s’aperçoivent qu’elles ont eu des vies similaires et partagent les mêmes blessures. Ensemble elles tenteront de réparer leurs maux…

Production pjpp. Coproduction Le Trident, Scène nationale - Cherbourg-en-Cotentin, Le Phare, Centre chorégraphique national
du Havre Normandie, Le Rive Gauche, Scène conventionnée d’intérêt national / Danse - Saint-Étienne-du-Rouvray, Chorège I CDCN Falaise Normandie dans le cadre du dispositif « Accueilstudio ». Résidences Le Théâtre Jean Lurçat, Scène nationale d’Aubusson, Théâtre de l’Arsenal, Scène conventionnée d’intérêt national - Val-de-Reuil, Le Triangle, Cité de la Danse - Rennes, Le Wine&Beer, La BaZooKa, Le Havre. Soutien Région Normandie, Département Seine-Maritime et l’ODIA Normandie. pjpp est conventionné en 2025 pour l’ensemble de ses activités par le ministère de la Culture (DRAC Normandie) et la Ville du Havre.

Les Galets (…) explore avec humour et minutie ces situations bien connues, où un discours sans fin peut se muer en véritable prise d’otage. Empilement de banalités, débats vains… autant de supplices quotidiens qui cachent dans les plis de leur vacuité une bonne dose de poésie, de sensibilité et de saine absurdité. Une traversée du vide portée par quatre interprètes qui improvisent avec leurs mots et racontent avec leur corps ce qui se joue entre les humains au-delà de leurs discours anodins.

Les Galets au Tilleul sont plus petits qu’au Havre (ce qui rend la baignade bien plus agréable) explore avec humour et minutie ces situations bien connues, où un discours sans fin peut se muer en véritable prise d’otage. Empilement de banalités, débats vains… autant de supplices quotidiens qui cachent dans les plis de leur vacuité une bonne dose de poésie, de sensibilité et de saine absurdité. Une traversée du vide portée par quatre interprètes qui improvisent avec leurs mots et racontent avec leur corps ce qui se joue entre les humains au-delà de leurs discours anodins.

Production déléguée Compagnie éOle - studio de création musicale.
En coproduction avec HYPER DUO.

Un concert théâtralisé et cinématographique à l’allure de road trip, inspiré de deux ouvrages d’Henri Michaux, L’infini Turbulent et Connaissance par les gouffres, met en scène le dédoublement cher à l’auteur. Ses expériences autour de substances psychotropes posent la question de notre perception de la réalité et de notre capacité à nous en satisfaire. C’est autour de la connexion entre deux mondes : halluciné et dit « réel » que se développe la narration, portée par deux performeurs. Chaque univers vient contaminer l’autre. Jubilatoire !

Un concert théâtralisé et cinématographique à l’allure de road trip, inspiré de deux ouvrages L’infini Turbulent et Connaissance par les gouffres d’Henri Michaux met en scène le dédoublement cher à l’auteur.

Les expériences menées par Michaux autour de substances psychotropes posent profondément la question de notre perception de la réalité et de notre capacité à nous en satisfaire. Le concept scénographique de Limbus repose sur un principe de dédoublement, qui évoque les phénomènes perceptifs décrits par Michaux. À l’avant-scène, un espace classique de concert avec tables, instruments, équipements techniques, carcasse de voiture… un décor évocateur mais qui reste apparenté au théâtre. À l’arrière-scène, un «écran-porte» qui permet d’accéder à un autre monde où les deux performeurs perdent leur identité, se dédoublent, se transforment… tour à tour personnages monstrueux ou énigmatiques, ils entament un étrange parcours dans ce qui constitue peu à peu un labyrinthe.
C’est précisément autour de la connexion entre ces deux mondes que se développe la narration ; très rapidement une porosité s’installe entre la scène et cet écran, chaque univers (matériel et fantasmé ) venant contaminer l’autre. Démarre alors une sorte de road trip !

Fourchette Suisse Productions.

Docteure en histoire et youtubeuse, Manon Bril fait de la vulgarisation sur internet depuis 2015, et désormais sur scène, pour nous expliquer que rien n’a « toujours été comme ça. Par exemple à Rome, on faisait des réunions aux toilettes. Pardon, mais c’est un autre monde que le nôtre, ça ? Ou alors on va pas aux mêmes soirées ! Bref, le parcours de l’humanité n’a aucun sens ».
La particularité de Manon est de mêler rigueur et irrévérence ! « Il n’y a pas de petit sujet. L’Histoire, ce n’est pas que les grands rois ou les grandes batailles. »

Docteure en histoire et youtubeuse, Manon Bril fait de la vulgarisation sur internet depuis 2015, et désormais sur scène pour nous expliquer “que rien n’a toujours été comme ça”.
Par exemple à Rome, on faisait des réunions aux toilettes. Pardon, mais c’est un autre monde que le nôtre, ça ? *Ou alors on va pas aux mêmes soirées ! Bref, le parcours de l’humanité n’a aucun sens ».
La particularité de Manon est de mêler rigueur et irrévérence ! « Il n’y a pas de petit sujet. L’histoire, ce n’est pas que les grands rois ou les grandes batailles. »

EXPERIMENTA, c’est aussi des partenariats avec des salles du territoire. Ainsi six spectacles tout public seront proposés en plus des deux à l’Hexagone.
Certains pendant Vive Les Vacances…
Faites votre parcours !

Production Arrangement Provisoire. Résidences, coproduction ICI-CCN - Montpellier, La Maison de la danse - Lyon, La Place de la Danse - CDCN - Toulouse / Occitanie, Le Pacifique CDCN - Grenoble Auvergne Rhône-Alpes, Le Dôme théâtre - Scène conventionnée d’intérêt national art en territoire - Albertville, La Comète, Espace d’exploration artistique de la ville de Saint-Etienne, Réseau PLAY, Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis, Centre culturel Houdremont - La Courneuve, Théâtre de Corbeil-Essonnes, Théâtre Jean-Vilar – Suresnes, Ville de Nanterre - Saison jeune public. Soutien Département de la Seine-Saint-Denis.

Mille horizons invite à une expérience sensible où danse, poésie et objets composent un paysage à imaginer ensemble. À partir d’un cerf-volant – jeu d’enfant et loisir d’adulte – le corps, la voix et l’objet deviennent les compagnons d’une balade imaginaire et ouvrent un espace. Montagnes, forêts, rivières, vents et lumières traversent le plateau et appellent au voyage. À l’heure des écrans et de la vitesse, cette traversée poétique nous rappelle la force des liens qui nous unissent au monde naturel.

Mille horizons invite à une expérience sensible où danse, poésie et objets composent un paysage à imaginer ensemble.

Sur scène, un danseur et une comédienne ou un comédien ouvrent les portes du théâtre aux paysages du dehors. À partir d’un cerf-volant – jeu d’enfant et loisir d’adulte – le corps, la voix et l’objet deviennent les compagnons d’une balade imaginaire. Comme une marche vers les sommets, le spectacle traverse pâturages, forêts et rivières, au fil du vent et des lumières du jour.
À vue, de simples mécanismes donnent vie au paysage et font surgir la magie, comme si la nature révélait peu à peu sa part de mystère et de surnaturel. Pensé pour le jeune public, Mille horizons est une invitation à la contemplation et à l’émerveillement. À l’heure des écrans et de la vitesse, le spectacle propose de lever les yeux, de sentir le vent et d’imaginer d’autres manières d’habiter la Terre.

Production Les Grands Écarts
Coproduction La Comédie de Saint-Etienne - CDN, Les Célestins, Théâtre de Lyon, La Machinerie - Scène conventionnée d’intérêt national - Vénissieux, La Comédie de Clermont Scène nationale - Clérmont-Ferrand, Le Théâtre de la Croix-Rousse - Lyon, Le Sémaphore - Scène conventionnée d’intérêt national - Cébazat, La Saison Culturelle de Riom - Scène régionale.
Soutien ministère de la Culture - DRAC Auvergne-Rhône-Alpes, Conseil régional Auvergne-Rhône-Alpes, Ville de Clermont-Ferrand, Réseau Puissance Quatre, du Groupe des 20 Auvergne-Rhône-Alpes, Théâtre du Point du Jour - Lyon, La Cour des Trois Coquins - Scène vivante de la ville de Clermont-Ferrand, L’Hôtel Pasteur - Rennes, Théâtre de poche - Hédé-Bazouges.
Logan De Carvalho est artiste complice du Théâtre de la Croix-Rousse - Lyon et artiste associé à La Comédie de Clermont Scène nationale. Le texte est édité aux éditions : esse que.
Remerciements à Anthony Breurec, Myriam Brugheail, Alicia Devidal, Pauline Laidet et Sébastien Valignat pour leurs retours et leurs relectures. Et aussi à Houria Bouteldja, Louisa Yousfi, la team PDH, PNL et Booba pour la pensée et les punchlines.

Une formidable odyssée politique et populaire ! Nelvar - le royaume sans peuple est une grande quête d’heroic fantasy qui questionne le vivre-ensemble et cherche comment (re)faire commun. C’est le pari fou de raconter un conflit entre des orcs, des elfes, des trolls, des mages et des humains dans un monde imaginaire, permettant de nous interroger sur nos difficultés à faire société, sur nos différences et sur les rapports de dominations qui régissent le monde. Une sorte de Fantasy sociale au théâtre, une première, très réussie !

Nelvar - le royaume sans peuple est une grande quête d’heroic fantasy qui questionne le vivre-ensemble et cherche comment (re)faire commun.

Nelvar, c’est le pari fou de raconter un conflit entre des orcs, des elfes, des trolls et des mages dans un monde imaginaire, et ainsi nous permettre de nous interroger sur nos difficultés à faire société, sur nos différences et sur les rapports de dominations qui régissent notre monde à nous.

Le roi Flégur du royaume de Nelvar est mort et ne laisse aucun héritier. La tension monte au cœur du plus grand royaume des terres d’Armanes. Certains orcs, elfes, trolls, mages et évidemment certains humains réclament le trône. La vieille alliance de jadis entre les différentes espèces qui peuplent Nelvar est à bout de souffle. Le pays est au bord de la guerre civile ! Que faire ? Grisouille, la vieille fée alcoolique de la ville basse, a peut-être la solution. La couronne de Boroghmar ! Cette couronne magique qui ne peut aller que sur la tête de celui qui est digne de diriger Nelvar. Si quelqu’un revient avec la couronne, le royaume entier mettra genou à terre, c’est certain. Par souci d’égalité et pour respecter les valeurs de Nelvar, une délégation constituée d’un membre de chaque espèce peuplant le royaume va être envoyée à la recherche de la couronne. L’idée est belle mais dans la réalité l’unité est-elle vraiment possible ? Réussiront-ils à vaincre le Dragon des Karfalades pour s’emparer de la couronne ? Ici s’interroge, à travers les péripéties de nos héros fantastiques, notre mythe du «vivre-ensemble républicain ».

Production Le Café Vainqueur. Coproduction THV, SCIN art, enfance, jeunesse - St-Barthélémy d’Anjou, Très Tôt Théâtre, SCIN art, enfance jeunesse -Quimper, La Minoterie, SCIN art, enfance, jeunesse - Dijon, Les Quinconces, Scène nationale - Le Mans, Le Grand R, Scène Nationale - La Roche-sur-Yon, Le Théâtre Scène nationale - Saint-Nazaire, La Soufflerie, SCIN art et création - Rezé, Communauté de communes Erdre et Gevres.

Pani est l’histoire d’une petite fille inuit qui part à la recherche de la “Mère de la mer” pour lui demander de libérer les animaux qu’elle retient. Elle les retient pour se venger du comportement des Hommes envers l’environnement, envers les animaux, envers la nature. Les thèmes du courage, de l’entraide, de l’empathie… sont abordés ici de manière sensible.

Pani est un conte qui nous vient du Groenland, transmis par Jørn Riel, auteur danois qui a passé seize ans dans ce pays.

Pani est l’histoire d’une petite fille inuit qui part à la recherche de la “Mère de la mer” pour lui demander de libérer les animaux qu’elle retient. Elle les retient pour se venger du comportement des Hommes envers l’environnement, envers les animaux, envers la nature. L’histoire est traversée par plusieurs thèmes : courage, entraide, empathie, questionnement, la facilité et notre cher environnement quel qu’il soit, si peu considéré et si malmené par nous autres, ses habitantes et habitants.

Production déléguée Fabrik Cassiopée.
Coproduction Théâtre de Vanves, Nouveau Théâtre de Montreuil – Centre dramatique national.
Soutien Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis.

Pas de texte court

Pas de texte court

Soutien ADAMI, SPEDIDAM, DRAC Auvergne-Rhône-Alpes.

Avec Qui vive ? Petite Lucette invoque les fêtes populaires d’une époque révolue pour vivre en une soirée une free-jazz-party, un thé dansant qui déraille et une boum disco-pyschédélique. Les claviers se détraquent, la batterie se change en orchestre de ferraille, le saxophone est troqué pour un ensemble de flûtes à bec… Que la danse commence !

Petite Lucette remet la fête sur le métier et revient avec un nouveau répertoire à danser intitulé Qui vive ?.
Fort de deux années à creuser son écriture musicale et poétique, son langage commun et son jeu collectif à travers son précédent répertoire Incendier nos tristesses, Petite Lucette entame un nouveau processus d’écriture et emprunte librement aux musiques électroniques, au hip-hop ou à le dub, pour en détourner les codes avec une dérision à la Hermeto Pascoal et une inventivité rythmique et sonore qui lui est propre.
Les claviers se détraquent, la batterie se change en orchestre de ferraille et boites de conserves, le saxophone est troqué pour un ensemble de flûtes à bec en désaccord majeur. Petite Lucette invoque les fêtes populaires d’une époque révolue pour vivre tour à tour et en une soirée, une free-jazz-party, un thé dansant qui déraille ou une boum disco-pyschédélique…

Soutien en coproduction Hexagone Scène nationale - Meylan.
Soutien et partenariat CNRS, Université Grenoble Alpes, Institut Néel, Institut des géosciences de l’environnement, Les Clévos - Cité des savoirs, La DREAL Auvergne-Rhône-Alpes
Accueil en résidence Le Déclic – Ville de Claix, Ville de Saint-Martin-le-Vinoux, La Faïencerie – La Tronche, MJC Saint Donat sur l’Herbasse.

Tout commence le jour où Barthélémy Champenois, chercheur-cycliste, reçoit ce courrier d’Air France lui proposant de compenser ses émissions de CO2. Il se retrouve embarqué dans une course folle à la compensation carbone.

Tout commence le jour où Barthélémy Champenois, chercheur-cycliste en méta-science, reçoit ce courrier d’Air France lui proposant de compenser ses émissions de CO2 de son vol pour New York où il a donné sa dernière conférence.
Déterminé, il va s’en charger lui-même. Entre quête de vérité, doutes, calculs et explications scientifiques, il se retrouve embarqué dans une course folle à la compensation carbone, le propulsant bien au-delà des limites de l’absurde, se retrouvant suspendu entre un passé qu’il ne peut plus changer et un avenir qui semble bien difficile à éviter.
Une conférence-spectacle sur les sciences du climat mêlant humour, science et prise de conscience, coécrite avec des scientifiques du CNRS et de l’UGA.

Production déléguée Fabrik Cassiopée.
Coproduction Espace 1789.
Soutien Montévidéo - Centre d’Art, Carreau du Temple.

En partant de sa propre histoire familiale, de ses discontinuités et déviances, Hortense Belhôte se penche sur 1789 et la période révolutionnaire en tant que creuset des mythes fondateurs… Quels récits y puiser pour nourrir les veillées des générations suivantes ?

En partant du constat de sa propre histoire familiale, de ses discontinuités, déviances, adoptions, appropriations et autres indigestions coloniales, Hortense Belhôte se penche sur 1789 et la période révolutionnaire en tant que creuset des mythes fondateurs, avec une question simple : quels récits y puiser pour nourrir les veillées de nos futurs enfants ?

De proche en proche, comme on explore un album de famille, une galerie d’anti héros a vu le jour : la Dubarry et Zamor, St George et D’Eon, Thomas Alexandre Dumas et son fils, Jean Amilcar et Mme Royale, Madeleine et Marie Guillemine Benoist, Ourika et Claire de Duras… Certains connus, d’autres non, tous ont en commun de ne pas répondre aux critères de panthéonisation […]. C’est à cette population du « quatrième ordre » qu’elle rend hommage dans cette conférence qui redonne vie aux figures oubliées de l’histoire et bouscule les sédiments de notre socle commun.

Production déléguée Bougier TOTO
Coproduction Hexagone Scène nationale -Meylan, L’Odysée/L’Autre Rive – Eybens, Direction Culturelle - Université de Lille.
Soutien CENTQUATRE – Paris, Leurre//Labo – Granville, TNP – CDN Villeurbanne, Nouveau Grand Tour 22 - Institut Français d’Italie, Le Rebours résidences artistiques.
Le texte du spectacle a été écrit à La Chartreuse - CNES et à La Mama Umbria International – dans le cadre du projet ACHENES - Culture Moves Europe.
La phase d’écriture a bénéficié de l’accompagnement d’un comité scientifique spécifique et du GAES (Groupe artistique expérimentation scientifique) #3 mis en place par l’Hexagone – Scène nationale - Meylan et le Quai des Savoirs - Toulouse.
SOIF a reçu une nomination au Prix Incandescences 2024 - Section Maquettes, Théâtre des Célestins et TNP en juin 2024.

SOIF est une invitation à questionner ce qui appartient à la croyance au sein des savoirs contemporains. Dans une pièce qui joue avec formes, styles et disciplines scéniques, qui met en résonance eau, connaissance et mémoire, le travail naît du désir de pouvoir oser poser des questions à ce qui est inter-dit : soit parce que les autres ne sont plus, soit parce qu’il n’y a pas les mots, ou les oreilles pour les entendre. Il naît aussi du désir de mêler les langages, notamment arts et sciences.

SOIF est une invitation à questionner ce qui appartient à la croyance au sein des savoirs contemporains.

Dans une pièce qui joue avec formes, styles et disciplines scéniques, qui met en résonance eau, connaissance et mémoire, le travail naît du désir de pouvoir oser poser des questions à ce qui est inter-dit : soit parce que les autres ne sont plus, soit parce qu’il n’y a pas les mots, ou les oreilles pour les entendre. Il naît aussi du désir de mêler les langages, notamment arts et sciences.
SOIF est une pièce traversée par plusieurs langages. Parole, chant et mouvement s’entremêlent et convoquent les images d’un inconscient collectif : celui d’une communauté humaine qui vit - au nom de ses croyances - sachant qu’elle a la faculté de s’auto-détruire, mais qui peut chercher à transformer cette violence en soin, ce savoir en compréhension.

En partenariat avec le service des Publics à Besoins Spécifiques de l’université Grenoble Alpes. Avec le concours du Conservatoire Nina Simone de Grenoble.

Pour la deuxième année, l’Hexagone accueille sur la scène étudiantes et étudiants artistes de haut niveau soutenus par le service des Publics à Besoins Spécifiques de l’université Grenoble Alpes. Danse, musique, arts plastiques, théâtre… toutes les formes artistiques se mêlent pour offrir un panel varié des talents de demain. Chaque proposition doit être portée par un étudiant ou une étudiante et ne pas excéder 15 minutes. Ce sont les seules contraintes, pour le reste, ils et elles ont le champ libre ! Venez les soutenir et les encourager !

Pour la deuxième année, l’Hexagone accueille sur la scène, étudiantes et étudiants artistes de haut niveau soutenus par le service des Publics à Besoins Spécifiques de l’université Grenoble Alpes. Danse, musique, arts plastiques, théâtre… toutes les formes artistiques se mêlent pour offrir un panel varié des talents de demain. Chaque proposition doit être portée par un étudiant ou une étudiante et ne pas excéder 15 minutes. Ce sont les seules contraintes, pour le reste, ils et elles ont le champ libre ! Venez les soutenir et les encourager !

Thomas nous assure qu’il est en train d’écrire. En l’état actuel des choses, il promet d’être sur scène et de jouer pendant au moins une heure. Les lumières seront allumées et vous pourrez rentrer dans la salle !
Avec ses cheveux en bataille et sa dégaine d’éternel ado,
Thomas VDB, chroniqueur radio et humoriste, nous promet un spectacle percutant !

Dans son nouveau spectacle « Autruches » Thomas VDB s’interroge sur les petits arrangements qu’on fait avec nous-mêmes pour éviter de regarder en face les choses importantes… ça vous parle ?

Coproduction Stereolux - Nantes, Hexagone Scène nationale - Meylan avec CHRONIQUES, Pôle régional de la création artistique en environnement numérique PACA — Biennale des Imaginaires Numériques, dans le cadre de la plateforme CHRONIQUES CRÉATIONS. Avec le soutien de Wallonie - Bruxelles International et du Centre Wallonie-Bruxelles/Paris.

True / False est une installation immersive qui brouille notre rapport à la vérité. Par anamorphose, « True » et « False » n’apparaissent qu’en se plaçant au bon endroit. Cinq structures dessinent un paysage où s’entremêlent informations vraies et fausses. À l’intérieur, tout se confond ; c’est en prenant du recul que quelque chose se clarifie, sans jamais réduire le réel à un simple vrai ou faux. Créée par Romain Tardy, figure de la scène artistique visuelle, il explore l’interaction entre les technologiques et leur impact sur la société.

True / False est une installation numérique immersive qui interroge notre rapport à la vérité à l’ère de la désinformation. Fondée sur le principe de l’anamorphose, elle utilise la distorsion spatiale pour faire apparaître les mots « True » et « False » uniquement depuis certains points de vue, faisant de l’illusion optique le cœur de l’expérience.
L’œuvre se compose de cinq micro-architectures modulaires formant un paysage sculptural conçu pour produire cet effet.
Un dispositif audiovisuel spatialisé diffuse des informations réelles (médias vérifiés) et fausses (rédigées par l’artiste ou générées par intelligence artificielle). Leur statut n’apparaît que depuis le point de vue où se révèlent « True » ou « False ».
En mettant en scène cette opposition, l’installation souligne le caractère souvent trompeur d’une lecture binaire du réel et invite le spectateur à prendre du recul pour questionner ce qu’il perçoit comme vrai ou faux.

Production En Cie d’Eux
Coproductions: / La Ville de Lausanne / la Loterie Romande / la Fondation Ernst Göhner / le Pour-cent culturel
Migros/ Fondation Casino barrière Montreux/ Soutien à la coproduction: Oriental-Vevey

T·R·U·C ? C’est quoi ce truc ? Une Tentative Révolutionnaire de l’Usage des Choses ? Une Théière Rugissante Une Cacophonie ? Un Toussotement du Rouet Unijambiste en Combinaison ? Deux danseuses et un musicien proposent une plongée sensible, ludique et parfois complètement décalée dans l’univers des objets et leurs usages. Les interprètes et une multitude de choses se réunissent et surtout se rencontrent, pour donner vie à une chorégraphie sonore, burlesque et inventive. Une expérience surprenante à découvrir en famille.

T·R·U·C ? C’est quoi ce truc ? Une Tentative Révolutionnaire de l’Usage des Choses ? Une Théière Rugissante Une Cacophonie ? Un Toussotement du Rouet Unijambiste en Combinaison ?

À quoi peuvent bien servir tous ces objets ? Un musicien et deux danseuses explorent de manière singulière et intime leurs usages, comme si ils et elles en avaient perdu la mémoire… Sous leur regard neuf et amusé, une chorégraphie burlesque et sonore prend vie, à l’image de véritables sculptures mouvantes.
En détournant l’obsolète et l’oublié pour en faire matière poétique, la pièce valorise une esthétique du recyclage qui interroge nos habitudes de consommation. Totems animés, installations rocambolesques et fragiles, jeux sonores ou lumineux deviennent ainsi autant d’invitations à repenser notre rapport au monde matériel : prendre soin, transformer, réinventer, avec toujours un bon grain de folie et d’utopie. Une expérience surprenante à découvrir en famille.

Soutien en coproduction Hexagone Scène nationale - Meylan,
Soutiens et partenaires Conseil départemental de l’Isère, ATMO Auvergne-Rhône-Alpes, CNRS, UGA, Institut Néel, IGE, AGEDEN.
Accueil en résidence MJC des Eaux Claires - Grenoble, Ville de Saint-Martin-le-Vinoux, Le Repaire - Merlas.

Barthélémy enfourche à nouveau sa bicyclette cheveux au vent et nez dans les pots d’échappement, pour une aventure atmosphérique à la rencontre de radicaux libres et autres particules fines !

Après Point de bascule, Barthélémy Champenois, chercheur-cycliste en métascience, continue son épopée et nous alerte sur l’urgence à se mettre en mouvement face aux enjeux climatiques et environnementaux.
Dans Zone critique, la compagnie Le Gravillon nous fait partager les urgences de Barthélémy sur L’AIR, L’EAU, LES SOLS et LE VIVANT… Retrouvez ces Zones critiques une fois par mois de janvier à juillet à la Maison de la Musique de Meylan ou au Jardin du Lautaret et laissez-vous happer par les mots et les maux de Barthélémy qu’il partage à la fois avec facétie, sérieux et poésie !

ZONE CRITIQUE - L’AIR**

Peut-être l’avez-vous déjà croisé sur une de ses Circonférences et sans doute vous a-t-il embarqué dans sa folle course à la compensation carbone dans Point de bascule. Barthélémy Champenois est de retour !
Chercheur en méta-science, adepte des chemins de traverse et autres bifurcations improbables, Barthélémy Champenois enfourche à nouveau sa bicyclette pour une aventure atmosphérique.
On le retrouve cheveux au vent ou le nez dans un pot d’échappement, à la rencontre de radicaux libres et autres particules plus ou moins fines.
Barthélémy explorera ses poumons, écoutera les conversations interminables du nerf vague et échangera en route avec un martinet noir sur les techniques de sommeil unilatéral.
Un trajet en bicyclette de 531 km, sans pause, dos ou face au vent, pour arriver, on l’espère… jusqu’à nous.

Soutien en co-production : L’Hexagone, scène nationale - Meylan,
Soutiens et partenaires: Le Conseil Départemental de l’Isère, le CNRS, l’UGA, l’Institut Néel, l’IGE, AGEDEN
Accueil en résidence: La MJC des Eaux Claires - Grenoble, Le Repaire - Merlas

Barthélémy Champenois chevauche une molécule d’eau dans un entrelacs de cycles plus ou moins naturels jusqu’à sa rencontre inopinée, avec un ingénieur des rivières aux bras courts…

Après Point de bascule, Barthélémy Champenois, chercheur-cycliste en métascience, continue son épopée et nous alerte sur l’urgence à se mettre en mouvement face aux enjeux climatiques et environnementaux.
Dans Zone critique, la compagnie Le Gravillon nous fait partager les urgences de Barthélémy sur L’AIR, L’EAU, LES SOLS et LE VIVANT… Retrouvez ces Zones critiques une fois par mois de janvier à juillet à la Maison de la Musique de Meylan ou au Jardin du Lautaret et laissez-vous happer par les mots et les maux de Barthélémy qu’il partage à la fois avec facétie, sérieux et poésie !

Peut-être l’avez-vous déjà croisé sur une de ses « Circonférences » et sans doute vous a-t-il embarqué dans sa folle course à la compensation carbone dans Point de bascule. Barthélémy Champenois est de retour !
Chercheur-kayaparapentiste en métascience, Barthélémy Champenois continue son épopée en chevauchant cette fois-ci une molécule d’eau dans un entrelacs de cycles plus ou moins naturels.
De son décollage chaotique à son irrémédiable chute, nous le suivrons dans ses démonstrations excentriques et ses parenthèses rigoureuses.
Et c’est là, au détour d’un barrage, que notre méta-scientifique fera la rencontre inopinée d’un ingénieur des rivières aux bras courts qui le mènera sur une piste insoupçonnée jusqu’ici… La longueur des bras influencerait-elle le cours de l’eau ?

Soutien en coproduction Hexagone, scène nationale - Meylan.
Soutien, partenariat Conseil Départemental de l’Isère, CNRS, UGA, Institut Néel, IGE.
Accueil en résidence Le Repaire - Merlas.

Barthélémy est en crise. Il ne sait plus qui il est. N’est-il qu’une immense colocation qu’il partage avec des milliards d’autres organismes vivants ? Un collectif qui s’organise, vit, se nourrit, se soigne, sort les poubelles, lui-même pris dans un ensemble encore plus grand !

Après Point de bascule, Barthélémy Champenois, chercheur-cycliste en métascience, continue son épopée et nous alerte sur l’urgence à se mettre en mouvement face aux enjeux climatiques et environnementaux.
Dans Zone critique, la compagnie Le Gravillon nous fait partager les urgences de Barthélémy sur L’AIR, L’EAU, LES SOLS et LE VIVANT… Retrouvez ces Zones critiques une fois par mois de janvier à juillet à la Maison de la Musique de Meylan ou au Jardin du Lautaret et laissez-vous happer par les mots et les maux de Barthélémy qu’il partage à la fois avec facétie, sérieux et poésie !

Barthélémy est en crise. En crise existentielle. Il ne sait plus qui il est, ou ce qu’il est : un cyclo-méta-scientifique du Lauragais ? Humain, occidental, primate, animal ? Un assemblage de molécules, un conglomérat d’atomes, un écosystème.
Barthélémy n’est-il qu’une immense colocation dans laquelle vivent avec lui des milliards d’autres organismes vivants ? Un collectif gigantesque qui œuvre pour vivre, se nourrir, se soigner, sortir les poubelles, …  lui-même pris dans un ensemble encore plus grand, comme autant de formes dans lesquelles le vivant se déploie.
Comment s’expliquer qu’au sein de ce vivant qui ne cherche qu’à vivre, parmi ces millions d’espèces qui depuis des milliards d’années évoluent ensemble, une seule donne naissance à des individus pour qui vivre ne suffit plus ? Qui ont besoin de plus, de plus, de… ?

3ᵉ édition des Horizonades ! Un événement festif porté par l’association
Horizons et l’Hexagone Scène nationale avec une programmation artistique commune dans le parc des Aiguinards. Des spectacles de cirque, danse, musique, proposés tout au long de la journée ainsi que des ateliers et débats, pour petits et grands. Programmation complète à retrouver sur notre site.

Soutien en coproduction Hexagone Scène nationale - Meylan,
Soutiens et partenaires Conseil Départemental de l’Isère, CNRS, UGA, Institut Néel, IGE.

Rebecca, agent de la DGSI est au bout du rouleau. Elle nous relate l’épopée qu’elle traverse pour reconstituer ses ressources épuisées. De déviations improbables en souvenirs d’enfance, elle raconte le sol et ses richesses. Ce qu’on y puise, autant qu’on l’épuise… Barthélemy ? Elle l’a croisé, il pédalait…

Après Point de bascule, Barthélémy Champenois, chercheur-cycliste en métascience, continue son épopée et nous alerte sur l’urgence à se mettre en mouvement face aux enjeux climatiques et environnementaux.
Dans Zone critique, la compagnie Le Gravillon nous fait partager les urgences de Barthélémy sur L’AIR, L’EAU, LES SOLS et LE VIVANT… Retrouvez ces Zones critiques une fois par mois de janvier à juillet à la Maison de la Musique de Meylan ou au Jardin du Lautaret et laissez-vous happer par les mots et les maux de Barthélémy qu’il partage à la fois avec facétie, sérieux et poésie !

Rebecca, agent de la DGSI, native du Limousin, est au bout du rouleau. Sa dernière enquête sur de mystérieux oiseaux l’a érodée. Elle nous relate l’épopée qu’elle traverse pour reconstituer ses ressources épuisées.
Empruntant des déviations improbables, cheminant entre mottes d’argile récalcitrantes et moelleux tas de compost, elle nous raconte comment des millénaires sont nécessaires à la fabrication de cette ressource finie, le sol. Ce qu’il nous apporte, combien il nous porte, la magie de cet élément qui a bercé son enfance, entre fumier et purin d’orties. Souvenirs cocasses ou fracassants, elle bondit entre passé et présent, tisse des liens philosophico-brutes-de-décoffrage, qui nous ramènent immanquablement à la terre.
Barthélemy ? Elle l’a croisé dans son Lauragais, il plantait frénétiquement des arbres, pédalant comme un dingue après le mythe de la compensation. Elle y avait été envoyé par son médecin traitant, pour un stage de « reconnexion à la vie ». Tu parles !